《茶花女》常演不衰的秘密
今晚，上海歌剧院版《茶花女》即将上演。这部由威尔第创作的歌剧自1853年问世以来，成为了全世界最受欢迎的歌剧之一。直至近年，依旧是世界各地上演场次最多的一部歌剧。
《茶花女》究竟有怎样的魅力？上海音乐学院陶辛教授让您用一篇文章的时间，走进这部神奇之剧。
首演时竟无人喝彩
曾经有一位音乐家说过，如果有哪位考古学家重新发现威尔第，一定会感到震惊，因为他会发现三个完全不同的威尔第。这位伟大作曲家的早期、中期与晚期的作品呈现出截然不同的风格。如果说威尔第的早期歌剧是剧情片，那中期就变成了文艺心理片，晚期则是看透世事充满嬉笑怒骂的喜剧。《茶花女》就是威尔第式文艺心理片的巅峰之作。
歌剧《茶花女》的原名为《失足女》改编自小仲马的小说。小说问世后小仲马与朋友将其改编成了话剧，威尔第在巴黎无意中看到了这部话剧，深深为之吸引，决心将其改编成歌剧。
1853年，歌剧《茶花女》在威尼斯凤凰剧院首演，惨遭失败。观众们无法接受奄奄一息瘦弱得不堪一击的女一号竟由一位37岁且体型肥胖的女演员来扮演。而引发更大质疑的是这部歌剧的题材，一部歌剧居然讲述了一个风尘女子的爱情故事，这在当时是难以想象的。要知道在19世纪，歌剧表现的大都是古典神话或历史传说，现实题材的作品被视为离经叛道。
面对首演的失败，威尔第只说了一句话:“时间会证明这次的失败究竟是主演的错还是我的错。”他坚持认为，看似“高于生活”的歌剧应该回归生活、贴近生活。
两年后，《茶花女》更换女主角再次上演，立即造成轰动。小仲马对其的评价是:“50年以后，也许谁都不记得我的小说《茶花女》了，可是威尔第却使它成为不朽。”
有人说威尔第的《茶花女》之所以感人，是因为茶花女的故事让威尔第感同身受，令他“触景生情”的是他和第二任妻子斯特雷波尼的爱情。
斯特雷波尼曾是一位著名的女高音，在演出威尔第的歌剧《纳布科》时，与威尔第相识。在威尔第眼中，斯特雷波尼聪明、漂亮、富有表演才能，只可惜由于用嗓过度，且体弱多病，她出演了《纳布科》的前8场就累病了。斯特雷波尼是威尔第的支持者，经常与威尔第见面、通信，后来成了他的红颜知己。然而她的个人感情生活非常前卫，绯闻不断。得知威尔第与斯特雷波尼恋爱，他的父母家人和朋友一致反对，有好友甚至与威尔第断绝来往。但威尔第不为所动，最终两人正式结婚。
尽管结局截然相反，但这段爱情故事的诸多元素都与《茶花女》有相似之处，所以曾有人说没有斯特雷波尼，也许就没有威尔第的《茶花女》。
常演不衰的秘密
问世100多年来，《茶花女》成了全世界最受观众喜爱的歌剧，直到近几年它依旧是全世界演出次数最多的歌剧之一。
这部歌剧究竟为什么如此受欢迎？在上海音乐学院陶辛教授看来，《茶花女》可谓是歌剧的入门级作品，可供观众欣赏的层次非常丰富，无论是从浅还是入深，观众都能找到自己喜欢的地方。既可以聆听脍炙人口的唱段——《祝酒歌》《啊！梦里情人》等，也能体会引人入胜的爱情主题，更有让人深思的悲剧力量。
从歌剧制作的角度来说，整部《茶花女》最具挑战的部分在女主角。首先在形象上，要具备像茶花女那般魅力十足的气质；更重要的是在唱功上，女高音必须同时具备花腔、戏剧、抒情等各种音色和音区的驾驭能力。而除此之外，整部歌剧对其他角色并没有十分高的要求，从艺术难度来说，各个层次的剧院都能演出，这也是这部歌剧能够常演不衰的一个原因。
常演不衰的另一大原因在于它常演常新。多年来，全世界各地的歌剧《茶花女》涌现出许多独特的版本。
上世纪80年代，电影版歌剧《茶花女》登陆北京，当时正值改革开放后不久，这部西洋歌剧的上映曾引起了巨大轰动。这部由歌剧导演佛朗哥·泽菲雷里执导的影片，囊括了多明戈等巨星级演员，在北京连映了一千多场，几乎场场爆满，“茶花女热”在北京持续了将近两年。
陶辛教授颇为推崇的是2005年在萨尔茨堡音乐节亮相的“至简版”《茶花女》，之所以被称为“至简版”，因为在半月形的舞台上除了沙发和一面巨型钟表，几乎没有任何道具，男主角阿尔弗雷多的父亲成为全剧的一个“死神”意象，见证着男女主角爱情的悲剧。“没有华丽的舞台，没有宏大的制作，恰恰让观众抛开形式上的束缚，以一种全新的方式进入人物的内心。”陶辛说。
陶辛收藏至今的，还有多年前由导演罗伯特·卡森执导、著名指挥大师洛林·马泽尔指挥的一版《茶花女》，演出地点正是《茶花女》的首演地——威尼斯凤凰剧院。在这个版本中，钱是贯穿全剧的一个颇有讽刺意味的意象。从序曲部分，女主角薇奥莉塔坐在沙发上欣喜地接受各个上层人士施予的钱财，到她与男主角阿尔弗雷多分手时天空中飘落的“钱雨”，还有两人绝望时站在由钞票堆叠而成的“枯叶”堆里，这段被金钱“诅咒”的爱情被演绎得别有新意，而定睛一看，舞台上所用的钞票上印着的竟然是威尔第的头像。
看歌剧还是听歌剧
曾有人说，在歌剧的世界里，没有什么比演一场《茶花女》更容易了:威尔第的音乐和小仲马的故事都是现成的，总有观众会为了那首脍炙人口的《祝酒歌》买票。然而，再没有什么比演好一场《茶花女》更难了:交际花遇见富家子的爱情悲剧观众太熟了，病床上茶花女的咏叹调观众也太熟了。
也许正是因为这些原因，《茶花女》每在一地上演都会被一次又一次地改造。
在此次上海歌剧院版《茶花女》里，故事的背景被设定在了上世纪20年代的上海，场景则被放置在一艘白色“茶花号”国际邮轮的后甲板上。
“茶花号”从外滩起航，途经越南西贡、摩洛哥卡萨布兰卡最终抵达巴黎。而茶花女薇奥列塔此番则穿上了旗袍，成了邮轮上的一名驻唱歌女，跟着邮轮四处漂泊，并与富家子弟相识相恋。据悉，上海“茶花女”将有泳装扮相登场，而男主角阿尔弗雷多将从泳池里出来，披上浴衣，幸福地唱起求爱的咏叹调。
这番创意不仅让人联想起去年在北外滩上演的景观歌剧《茶花女》，导演的众多创举一度引发热议。在北外滩客运码头舞台上，整部歌剧破天荒以浦江夜景为“天幕”，舞台贴着黄浦江而建，长达30多米，导演还在台上造出了7个细脚伶仃、高度接近10米的香槟酒杯。
“在过去，只要演员唱得好、乐队演奏得好，就是很称职的歌剧了。现在观众除了要求好听，还要好看，导演思考的也是如何让观众‘看’得下去。这样一来，歌剧就变得越来越丰富了。当然，人们的鉴赏口味是由环境来塑造的，这也倒逼着歌剧做改变。”对于歌剧在视觉艺术上的求新求变，陶辛是这样理解的。
然而，歌剧的服装变化即使再大，场景再颠覆，有一点是不变的，那就是原作的音乐和唱词是不能被改动的，在歌剧的编创过程中，作曲家永远是绝对的主宰。“所以观众在看歌剧的同时，更不能忽视听歌剧。”
“歌剧这枚艺术皇冠的明珠一方面承载着过去，是18、19世纪的文化符号，同时它又需要现代化。如果它离当下太远，观众会有距离感，但是如果贴得太近，则容易失去了自身的价值，对观众也就失去了吸引力，这是歌剧的魅力，也是它最奇特之处。”陶辛说。 来源:解放日报 选稿:吴梦迪
